Vor ein paar Wochen haben wir bei der in Japan geborenen und in Berlin lebenden Installationskünstlerin Asako Shiroki vorbeigeschaut . Es war ein trauriger und regnerischer Nachmittag in Berlin, aber ein herzliches und liebevolles Gespräch im Schutz von Asakos Studio in Schöneberg – was, so ein lustiger Zufall es will, mir nicht fremd war, nachdem ich es vor anderthalb Jahren besucht hatte, um Asakos zu interviewen Ehemann Sanghyeok über seine konzeptionell geprägten Möbelstücke. An diesem Tag ging es jedoch um Asako, und es war eine Freude, die Geschichte ihres Praktizierens zu hören; von Schmuck bis Installationskunst, traditionelle japanische Holztischlerei nach Berlin zu bringen und den Prozess, „schöne Missverständnisse“ zu schaffen.
Ich war zuerst daran interessiert, die Ursprünge von Asakos Praxis zu erfahren.
„Ich komme ursprünglich aus Tokio, Japan. Ich habe an der Tokyo National University of the Arts studiert, bis zum Doktorat, und dann habe ich nach dem Abschluss [an der Universität] als Assistent und dann als Dozent gearbeitet. Insgesamt war ich 14 Jahre an der Universität – vom Studenten zum Dozenten … Ich wollte einen Grund finden, [dort] mit der Arbeit aufzuhören, denn mein Traum war es nicht, Dozent zu werden.“
„Dann bekam ich glücklicherweise eine Einladung vom Bethanien Künstlerhaus , das so etwas wie ein Pionier-Künstlerresidenzprogramm ist. Deshalb bin ich nach Deutschland gekommen… Das Programm war nur für ein Jahr, aber ich wollte nach der Einzelausstellung eine Reaktion auf meine Kunst bekommen, also habe ich mich entschieden, länger hier zu bleiben.“
Im Raster — Bodenfenster. 2014. Holz, Textil. B351 x T234 x H94 cm. Foto von Rebecca Wilton.
Das war vor zehn Jahren, und jetzt sind wir hier. Ich war neugierig, wie sich Asakos Praxis in diesen Jahren entwickelt hat.
„Als ich Studentin war, habe ich Schmuck gemacht. Aber dann zweifelte ich, warum ich das Objekt auf einen Körper legen musste. Also dachte ich über das Objekt hinaus und mein Interesse wurde immer größer und ich dachte mehr über den Weltraum nach. Ich wollte darüber nachdenken, wie Raum existiert – also habe ich meine Klasse gewechselt. Aber nicht zum Architektur- oder Bildhauerkurs – zum Holzbearbeitungskurs. Es war etwas ganz Besonderes. Ich habe traditionelle, japanische Holzschreinertechniken erlernt.“
„Ich habe angefangen, mit Holz zu arbeiten, war aber nicht daran interessiert, Möbel herzustellen, die eine Funktion haben – ich dachte an Skulptur oder etwas anderes als Funktionalität. Meine Klassenkameraden stellten alle Möbel her. Ich habe nur Skulpturen mit speziellen Holztischlertechniken gemacht . Ich benutze es immer noch, aber ich habe viel mehr Philosophien [daraus] als Techniken.“
Von Schmuck über Holzbearbeitung bis hin zu Installationsarbeiten. Ich fragte mich, wie Asako ihre Kunstwerke jetzt identifizieren könnte.
„Ich möchte meine Arbeit nicht kategorisieren, also immer zwischen Architektur, Skulptur, auch Handwerk und Kunst und vielen Kontexten… Ich wollte Installationen zum Laufen bringen, weil ich frei sein wollte von den Vitrinen zum Zeigen der Kunstwerke… Putten in die Vitrinen stecken und beleuchten und plötzlich fungiert das Kunstwerk als "Kunstwerk". Ich habe dabei viele Momente der Frische im Kunstwerk gesehen, deshalb wollte ich mein Kunstwerk direkt zeigen, wie ich es im Prozess gesehen habe.“
Dein Fenster ist mein Spiegel. 2019. Holz, Spiegel, Textil, Messing. B540 x T40 x H160 cm. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.
Ich fragte mich , wie Berlin ihre Praxis beeinflusst hat.
„Nachdem ich nach Berlin gekommen war, fing ich an, Möbelfragmente zu zitieren. Immer fehlt etwas, oder etwas ist verloren gegangen. Wenn das Publikum meine Kunstwerke sieht, sieht es aus wie Möbel – aber es ist etwas anderes; wie ein Missverständnis. Ein schönes Missverständnis… Jede Arbeit wurde von mir selbst gemacht. Ich verwende nie fertige Möbel, weil ich von Anfang an verschiedene Richtungen der Funktionalität wählen möchte, wenn ich das Material habe.“
„Die physikalischen Prozesse und das Verhältnis von Maschinenarbeit zu Handarbeit unterscheiden sich zwischen der in Europa erlernten Holzbearbeitung und der in Japan erlernten Holzbearbeitung. Wenn ich Maschinen verwende, kann ich größere Formate der Arbeiten [fertigen]. Die Handwerkzeuge sind wie ein Teil meines Körpers, und wenn ich Handwerkzeuge verwende, kann ich die Arbeit mit meinen Augen sehen – und ich wollte eine Distanz zum Material und zu mir selbst herstellen. Die Maschine macht also den Abstand und ich kann die Dinge aus der Vogelperspektive sehen. Ich kann durch diesen Prozess viele Dinge lernen.“
Welche anderen neuen Prozesse haben Sie untersucht? Ich fragte.
„Letzten Sommer habe ich also an einer Residency in Dänemark teilgenommen. Ich habe eine Arbeit ohne Holzarbeiten gemacht. Ich habe eine neue Arbeit mit Zeichnung und Videoarbeit und auch etwas Text ausprobiert … Ich habe versucht, die Menschen zu verstehen, die in dieser Gegend lebten. Menschen, die in nordischen Gebieten leben, wollen die Sonne schnappen, weil es so kurze Sommer und lange, dunkle Winter gibt. Also habe ich versucht, das Hochsommer-Tageslicht einzufangen.“
„Über meinem Kopf war ein quadratisches Fenster, und das tägliche Sonnenlicht fällt auf meinen Schreibtisch. Also habe ich die Regel aufgestellt, dass ich es zeichne, wenn das Sonnenlicht auf den Schreibtisch kommt, und wenn die Wolken kommen, spitze ich den Bleistift. Es ist also ein ziemlich langes Video… Ich habe versucht, ein sehr leichtes Gefühl zu erzeugen. Die Aktion der Zeichnung im Video ist das Hauptkunstwerk, und daneben mache ich vielleicht einen Rahmen dafür [zeigt auf an die Wand geheftete Schattenskizzen].“
„Ich habe viele Leute vor Ort befragt. Die Leute erklärten mir, dass die blaue Farbe für sie wichtig ist. Ich fragte sie warum, aber niemand wusste es… Ich ging in die Bibliothek und fand die Geschichte des Färbens in dieser Gegend. Das Blau, auf das sie sich beziehen, ist Indigoblau, eine wichtige Farbe, mit der Menschen zu Hause Textilien färben können."
„Sie erklärten, dass Indigo, das aus der Erde stammt, in Kombination mit Kalk von den Muscheln vor ihnen Blau auf dem Stoff fixieren könnte. Diese Erklärung wurde zu einem wunderschönen Gedicht, das ein umfassenderes Konzept ausdrückt. Wenn sich das Meer und die Erde verbinden, werden sie gleich.“
Asako begann mir dann die Gefühle hinter ihren neueren Arbeiten zu erzählen.
„Nach meiner Schwangerschaft, nach der Pandemie wollte ich meine Mutterschaft zeigen. Ich wollte mein Inneres nach außen zeigen … Es ist zu viel persönliche Arbeit für mich, aber ich dachte, ich sollte es schaffen.“
Ein Zweig aus ineinander verschlungenen Passagen. 2021. Holz, Glas, Silberkette, Messing, Leder, Bronzeguss eines vor mir gefallenen Zweiges. B470 × T/H variabel cm. Foto von Sanghyeok Lee.
Ich fragte mich, warum sie das Gefühl hatte, es sei „zu viel“ persönliche Arbeit für sie.
„Vor [der Pandemie] habe ich versucht, meine Kunstwerke kalt zu machen – ohne Temperatur. Nach der Pandemie habe ich versucht, mehr Kunstwerke zu machen, die meine persönlichen Dinge zeigen. Ich dachte, ich sollte mich zeigen, ohne mich zu verstecken … Als ich früher Kunstwerke gemacht habe, habe ich versucht, stärker zu sein. Nach der Pandemie, nach der Schwangerschaft, habe ich alles mehr akzeptiert, so wie ich bin. Als Frau, als Mutter, als Mensch. [Jetzt] ist es freier geworden; Ich kann als ich selbst arbeiten, ohne jede Lüge.“
Vielen Dank an Asako.
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Worte von Ewan Waddell .
Fotos von Ewan Waddell und mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.
