Wir haben uns über Zoom mit der in Paris lebenden, in Italien geborenen Bildhauerin Beatrice Bonino zu unserem ersten ZOOM-Studiobesuch getroffen . Beatrice sprach mit uns über die unbewussten Elemente ihrer Praxis, ihre Affinität zu antiker Keramik und wie ihre Promotion in Sanskrit ihre Arbeit in der Bildhauerei bereichert.
Die ersten Schritte von Beatrices Weg zur Bildhauerei in Paris lassen sich auf ihre tiefe Affinität zu archaischen Kulturen zurückführen. Sie war im letzten Jahr ihres Studiums der altgriechischen Philologie in ihrem Heimatland Italien, als sie zufällig auf einige Vorlesungen über indische Philosophie stieß. Sie war sofort fasziniert.
„Mir wurde klar, wie erstaunlich es war, und ich sagte mir, ich könnte genauso gut wechseln und mich für eine andere alte Sprache entscheiden … Ich fing ziemlich schnell an, Sanskrit zu lernen, und interessierte mich immer mehr für wissenschaftliche Prosa, insbesondere für traditionelle Grammatik und Philosophie der Sprachkommentare. Mein Professor sagte mir dann, na ja, wenn du Sprachphilosophie studieren willst, solltest du nach Paris ziehen und diesen Professor treffen.“
Also tat sie genau das, und jetzt, sechs Jahre später, ist sie neben ihrer Arbeit in der Bildhauerei promovierte Wissenschaftlerin in Sanskrit, der fünftausend Jahre alten heiligen Sprache des Hinduismus.
„Ich spüre definitiv einen Riss zwischen diesen beiden Leidenschaften, aber ich weiß nicht, ob ich an diese Art zu leben glaube; die Hälfte meiner Zeit der Bildhauerei und die andere Hälfte der akademischen Arbeit zu widmen. Ich denke, dass ich mich irgendwann für eine entscheiden muss.“
„Ich denke, was [meine Skulpturen] gemeinsam haben, ist diese Art von organischer, eher obskurer Ästhetik … Es ist gut, dass ich Interviews darüber habe, weil es mich dazu bringt, über meine Praxis nachzudenken – ansonsten ist es ziemlich unbewusst.“
Ich war neugierig, ob eine Beziehung zwischen ihrem akademischen Studium der alten Sprachen und ihrer künstlerischen Praxis besteht .
„Was mir das Studium der alten Sprachen gegeben hat, ist diese Disziplin der Forschung. Jetzt wende ich dasselbe auf meine Kunst an und verbringe Stunden damit, die Skulpturen und Kunstwerke meiner Lieblingskünstler zu studieren. Zeit scheint mir in diesen Momenten ein schwaches Phänomen. Wenn niemand seinen Fluss erklärt, fließt er vielleicht überhaupt nicht ... Ich habe kürzlich ein Interview mit der afrikanischen Töpferin und Kuratorin Magdalene Odundo in Magdalene Odundo: The Journey of Things gelesen , und irgendwann betont sie die Bedeutung dessen, was sie nennt „Visual Literacy“, die einer eindimensionalen Lektüre vorzuziehen ist. Für einen Künstler ist es wichtig, Markierungen lesen zu können, die Objekte lesen zu können.“
„Die Objekte, die ich mache, sind nicht funktional. Sie haben keinen richtigen Nutzen im Alltag; die Gläser, Teller, Vasen ... Sie können sie nicht verwenden, um Wasser oder Blumen hineinzustellen. Aber ich kann nicht sagen, dass sie leer sind, sie sind sicherlich voll von meinen Gedanken. Die heilende Kraft des Machens. Ich glaube tatsächlich, dass alles, was passiert, während ich ein Objekt erschaffe, nämlich eine Vase, die Form und die Materie davon durchtränkt, imprägniert. Ich übertrage das Denken, die Idee auf meine Hände, wie einige indische Philosophen theoretisiert haben. Irgendwie glaube ich, dass der Intellekt bzw. die Fähigkeit des Wahrnehmens und Verstehens ein bewegliches Organ ist, das nicht immer im Gehirn angesiedelt ist... Ein Stück ist die Summe all des Denkens, des Prozesses, des Lebens, zu dem es geführt hat dieser besondere Punkt. Diese Stücke, die ich fertige, bleiben Unikate. Sie bleiben für mich Skulpturen... Dass ich mich nun fast 15 Jahre lang mit alten Sprachen beschäftige , die im Alltag keinen praktischen Nutzen haben , hat sicherlich mein Denken und Sehen beeinflusst. Damit es mich nicht schockiert, wenn ein Objekt, das verwendet werden könnte , es nicht ist.“
Dieses Narrativ der „Nicht-Funktionalität“ wird jedoch durch ein neues Möbelprojekt von Beatrice, Sedute , gestört, das sie in Zusammenarbeit mit ihrer Partnerin Sati Leonne Faulks realisiert .
„Die Sedute-Stühle sind irgendwo zwischen Kunst und Design angesiedelt. Dieses Projekt untersucht Material und Form, die spezifische funktionale Eigenschaften jedes Modells diktieren; Die Form ist die Funktion, das Material ist die Form. Unsere allgemeine Inspiration stammt oft aus dem Blick weit zurück zu alten Objekten und Materialien, doch der Stuhl selbst ist zeitlos; immer aktuell. Obwohl sie wie Skulpturen aussehen, können Sie sie verwenden. Das gefällt uns am besten an ihnen.“
„Die Sedute sind auf Gipsbasis mit einer einheitlichen allgemeinen Form. Jeder Stuhl ist von Hand geformt und verleiht jedem seine eigene Persönlichkeit. Sie sind weiß und veranschaulichen den Putz in seiner Reinheit und bescheidenen Statur. Ihre Textur hängt davon ab, wie oft nasse Hände über den Gips gefahren sind, wobei einige Stücke rau und andere eher glatt zurückgelassen wurden. Sie haben eine Holzseele – eine Holzstruktur. Und dann spielen wir mit diesem Metallgitter, um ihm die gewünschte Form zu geben, dann bedecken wir es mit Gips. Alles ist Handarbeit, vom ersten bis zum letzten Stück.“
Beatrices obskurer, organischer Stil ist unbestreitbar überzeugend, also erkundigte ich mich nach ihren Einflüssen, sowohl konzeptionell als auch ästhetisch. Schnell wurde klar, dass sich ihre Faszination für alte Kulturen nicht auf das Studium der Sprachen beschränkt, sondern sie sich auch von den Überresten ihres künstlerischen Ausdrucks inspirieren lässt.
„Wenn ich in Museen gehe, strebe ich nach prähistorischer Kunst... Was von den neolithischen Töpfen übrig bleibt, sind oft nur Stücke, aber trotzdem berühren sie mich wirklich... kykladische Kunst auf jeden Fall und neuerdings auch ägyptische . Ich denke, die meisten meiner Inspirationen stammen aus der antiken Kunst. Der raue, dicke, neutrale Stil ... Das Fehlen von Farbe ... Das bezieht sich sicherlich auf die antiken Skulpturen. Töpfe sind jedoch irgendwie immer zeitgemäß, insofern als Menschen nie aufgehört haben, diese Objekte herzustellen. Es ist ein Objekt, das von allen verehrt und verstanden wird und daher für alle wichtig ist.“
„Ich habe einmal dieses Interview mit François Halard , dem Fotografen, gelesen, der über die Praxis von Giorgio Morandi sprach , diesem italienischen Maler, der sein Leben damit verbrachte, dieselben Flaschen in seinem Atelier zu malen, und nichts anderes. Er sagte, dass es nicht um eine Besessenheit geht, Dinge immer wieder zu tun, sondern darum, Ihre Praxis schärfer und persönlicher zu machen. Und ich glaube, so geht es mir auch. Der Effekt der Wiederholung immer derselben Form und immer derselben Objekte ist, dass der Geist sie irgendwie personalisiert, in dem Maße, in dem ich sie als meine erkenne.“
Mich interessierte ihre künstlerische Entwicklung; wie sich ihr Stil im Laufe der Zeit entwickelt hat.
„Ich habe [Keramik] mit dem Rad angefangen, aber ich war nicht zufrieden. Die Kraft des „Spins“ beeinflusst wirklich die Form, und ich fühlte mich nicht frei genug, um zu tun, was ich wollte. Hände und Körper sind zu ruhig, wenn Sie am Steuer sitzen, ich muss mich um das von mir erstellte Objekt bewegen. Und das Rad ist zu schnell, ich brauche Zeit, um über die Form nachzudenken, auch wenn der Großteil des Formgebungsprozesses für mich intuitiv ist. Also begann ich ein paar Tage später mit dem Bau von Hand … Hier fing alles an.“
„Was vielleicht an all den Objekten überrascht, ist, dass sie alle aus dem stammen, was ich als das große Alltägliche bezeichnen könnte . So wie die Gläser und Töpfe und Krüge nicht so abstrakt sind, aber die Tatsache, dass man sie nicht benutzen kann, selbst wenn es Gegenstände sind, die man normalerweise benutzen würde, ist vielleicht das, was sie ausmacht … Und am Anfang wollte ich das, glaube ich noch extremer sein, indem ich diese großen schwarzen Töpfe herstelle, die einfach in einer Ecke des Hauses stehen würden, weil ich sie nicht einmal auf einem Tisch haben wollte. Dann fing ich an, kleinere Objekte zu machen, wie Gläser und Teller, aber nur um diese Distanz zwischen der Funktion und dem Objekt selbst noch mehr auszudrücken.“
„Auch wenn meine Forschung gewachsen ist, denke ich, dass ich von dieser Ästhetik nicht abweichen kann. Es ist irgendwie in mir. Es liegt in meinen Händen. Ich bin mir dessen nicht so bewusst und kann es nicht wirklich kontrollieren.“
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Vielen Dank an Beatrice für das aufschlussreiche Gespräch. Nachfolgend finden Sie Links zu ihrer Arbeit.
Instagram - Website - „Sedute“ Instagram
Worte von Ewan Waddell .
Fotos von Beatrice Bonino und Sati Leonne Faulks .
