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Investigating the Multitude of the Self. Studio Visit with Artist, Margaret Flatley.
22-05-28
By Ewan Waddell

Untersuchung der Vielfalt des Selbst. Atelierbesuch bei der Künstlerin Margaret Flatley.

Von der Bildhauerei mit Ton über die Herstellung lebensgroßer Kerzen bis hin zum Nachzeichnen ihrer eigenen Form auf riesige Leinwände – die Methoden der Künstlerin Margaret Flatley sind ebenso mäandernd und fesselnd wie das Gespräch, das ich letzte Woche mit Freude bei einem grünen Tee mit ihr führen durfte. In ihrem Studio in Kreuzberg war Margaret (soweit ich mich recht erinnere) an einem klassisch nieseligen Berliner Morgen so freundlich, mir sowohl ihr Studio als auch ihren Geist zu zeigen, während wir über ihre Offenheit für die Erforschung neuer Methoden, ihr Verhältnis zur Fotografie und ihre konzeptionelle- geführter Ansatz zur Praxis.

Wir sprachen zunächst über Margarets Drang, über ihre Wurzeln hinaus zu forschen.

„Ich bin in Kanada aufgewachsen, habe das Land aber mit 17 verlassen, um an die Universität zu gehen, und bin nicht zurückgezogen. Ich gehöre zur ersten Generation, die in Kanada geboren wurde. Vielleicht gab es deshalb keine tiefe Bindung zum Land … Schon in jungen Jahren sehnte ich mich nach einer Veränderung der Umgebung.“

Ich war neugierig, wie sie diese Veränderung der Umgebung herausgefunden hat.

„Ich ging für ein Jahr nach Frankreich … Ich war in Südfrankreich, lernte Französisch und studierte Kunstgeschichte. Da begann sich alles zu etablieren … Ich knüpfte eine sehr starke Verbindung zu jemandem, der bis heute ein enger Freund und Mentor ist. Sie war Akademikerin – schrieb damals bereits ihre Doktorarbeit – und lud mich in ihre Welt ein. Durch sie war ich von allen möglichen Menschen umgeben, was mir Zugang zu dieser anderen Vorstellung davon verschaffte, wie das Leben sein könnte. Wie ich ein Leben führen könnte, das anders ist als das, was ich war ... Nachdem ich zurückgekehrt war und mein Studium in den USA abgeschlossen hatte, zog ich nach New York, um so etwas für mich selbst nachzubauen.“

Ich fragte mich, was sie dort fand.

„In New York habe ich sofort angefangen, in der Modebranche zu arbeiten. Ich begann in einem Ausstellungsraum zu arbeiten, der sich schnell zu einer Tätigkeit für eine Herrenmodemarke entwickelte. Dies geschah innerhalb der ersten dreieinhalb Jahre. Und dann ging ich nach Stockholm und arbeitete für Acne.“

Margarets Arbeit ist heute ziemlich weit von der Modewelt entfernt. Mich interessierte, was sie wegführte.

„Ich dachte, Mode wäre eine großartige Möglichkeit, meiner Kreativität und Beschäftigung nachzugehen. Aber es passte nicht zu mir … Ich war auch eher in einer Managementfunktion als im Design tätig, was großartig war, aber ich habe nicht selbst etwas geschaffen.“

Wir sprachen dann über unsere gemeinsame Verbindung, Yasmin, über die ich Margaret kennengelernt habe, als ich letzten Sommer ihr gemeinsames Studio für ein Interview über Yasmins faszinierende Arbeit mit Hanfbeton besuchte . Margaret und ich haben darüber gesprochen, wie es war, mit Yasmin zusammenzuarbeiten, nachdem sie sich vor all den Jahren zum ersten Mal in den Acne Studios getroffen hatten.

„Yasmin und ich hatten eine sehr kompetente Arbeitsbeziehung, in der wir die Bedürfnisse des anderen irgendwie vorhersehen und einspringen konnten, wo jeder von uns Hilfe brauchte. Wir verließen Acne im Abstand von nur wenigen Monaten. Wir wussten damals noch nicht , was , aber wir wollten etwas Eigenes gründen.“

Sie mögen entschieden haben, dass die Modewelt in Stockholm nichts für sie ist, doch die fließende künstlerische Beziehung, die sie in Schweden geknüpft haben, blieb sehr lebendig, als sie anschließend gemeinsam nach Berlin zogen.

„Wir waren sehr enge Freunde und teilten uns eine Wohnung. Die Essenz ihrer Praxis entwickelte sich in ihrem Zimmer und meine Praxis in meinem Zimmer, und die Küche war dieser Ort des Austauschs. Wir tauschten ständig Referenzen, Lesungen, Recherchen usw. aus – es war einfach ein wirklich kreativer Moment. Unsere Methoden und Praktiken sind so unterschiedlich und doch kreisen sie umeinander. Und so ist es einfach dieser sehr kreative Bereich, den wir haben. Wir haben so, so viel Glück.“

Durch ihre Fotografien von Yasmins skulpturalen Werken wurde ich zum ersten Mal auf Margaret als Künstlerin aufmerksam. Ich fragte mich, ob es die Disziplin der Fotografie war, die Margaret selbst auf ihre künstlerischen Neigungen aufmerksam machte.

„Ich habe hauptsächlich mit der Fotografie angefangen. Ich habe viel mit Yasmin zusammengearbeitet, für sie fotografiert und experimentiert. Ich habe mich nur mit meiner Kreativität beschäftigt, aber dann wurde [die Fotografie] für mich sehr schnell zu einer Methode, konzeptionell zu arbeiten. Nun, das ist fast ausschließlich das, was ich mache. „

Ich war dann neugierig auf Margarets aktuelle Beziehung zur Fotografie.

„Ich meine, ich mache immer noch manchmal Fotos, aber ich habe die Kamera fast vollständig aufgegeben, um mich auf meine konzeptionelle Arbeit zu konzentrieren … Heutzutage habe ich ein komplizierteres Verhältnis zu Fotos, weil in der Welt der Bilder alles übersättigt ist. Und vielleicht weiß ich noch nicht genau, wie ich in diesem Bereich weitermachen will ... Ich liebe es immer noch, hinter der Kamera zu stehen und diese Verbindung zu der Person, die man fotografiert. Das ist für mich sehr reizvoll.“

„Instagram hat meine Beziehung zu meinen Fotos definitiv komplizierter gemacht, weil ich in meinen Konzepten viel mit Körpern arbeite – was mit Nacktheit einhergeht –, aber Instagram erlaubt keine Nacktheit und ich habe mich nie wohl gefühlt, meine Bilder zu veröffentlichen, wenn sie aus diesem Grund zensiert wurden stimmte nicht mit dem Bild überein, das ich geschaffen hatte … Und so begann ich wohl, nach anderen Wegen zu suchen, wie ich mit denselben Ideen arbeiten könnte.“

Apropos Instagram und die übersättigte Welt der Bilder: Mir fiel auf, wie schwer fassbar und zweideutig sich Margarets Online-Präsenz anfühlte; fast schon geheimnisvoll. Ich wollte herausfinden, warum.

„Mein Verhältnis zu meiner Online-Präsenz ist turbulent. Mit dem Branding, mit meiner Beziehung zum Verkaufen oder damit, was ich tue, in den Vordergrund zu rücken. Es ist kompliziert. Es ist etwas, mit dem ich in meinem Kopf spiele. Warum ich online nicht offen sein kann, wenn meine Arbeit so tief offen ist … Aber ich bin auch mitten in diesem großen Projekt, an dem ich seit zwei Jahren arbeite, und deshalb denke ich, dass da auch dieses Gefühl ist: „Das ist nicht der Fall.“ bereit, geteilt zu werden‘.“

Anschließend sprachen wir über die Idee der Arbeitsteilung und was das für sie bedeutet.

„Arbeit zu teilen kann oft ein wirklich erfüllender Moment sein. Immer wenn du es loslässt und es nicht mehr dir gehört, bekommst du von anderen Menschen eine Perspektive, die du vorher nicht hattest. Und Sie können vielleicht etwas über das, was Sie getan haben, erfahren, von dem Sie selbst nicht einmal wussten.“

„Wenn man Kunst macht, versucht man, mit etwas in Kontakt zu treten, das nicht verbal ist. Wenn ich es sprechen könnte, wäre das wahrscheinlich die Methode, die ich verwenden würde. Aber es ist etwas intuitiveres. Und wenn Sie diese intuitive Sache haben, dann ist die Verbindung etwas, das Sie durch das Teilen wollen.“

Gibt es bestimmte Gefühle, die Sie beim Betrachter ihrer Arbeit hervorrufen möchten? Ich fragte.

"Nein, definitiv nicht. Es würde mich interessieren, wie sich jemand fühlt. Die Idee ist nicht, dass ich eine bestimmte Reaktion hervorrufen kann. Die Vielfalt der Antworten ist meiner Meinung nach das Interessante ... Was mich immer wirklich gereizt hat, war, dass jemand über etwas so Spezifisches in seiner Kunst sprechen konnte und es dennoch von verschiedenen Personen in ihrer eigenen Welt so allgemein verstanden wurde. Ihre eigenen Reiche. Und so wird dieses Ding größer als die Person, die es herstellt oder erhält. Es wird zu einem Vehikel des Austauschs.“

Im Rahmen dieser Interviewreihe haben wir mit vielen Designern und Künstlern gesprochen, die sich selbst als „materialorientiert“ bezeichnen. Margarets konzeptorientierte Praxis steht jedoch fast im Widerspruch zu dieser Bezeichnung. Ich habe mich gefragt, welchen Einfluss eine so konzeptionelle Arbeit auf ihren Prozess hat.

„Mehr als gegenüber irgendeinem Prozess oder Material bin ich sehr ideenmotiviert. Ich habe kein spezifisches Handwerk für meine Arbeit; Ich bin kein Maler, ich bin kein Keramiker. Mein konzeptioneller Teil wäre wohl das Handwerk. Es gibt einige Schwierigkeiten in dem Sinne, dass man nie das Gefühl hat, in irgendetwas ein Experte zu sein – aber das ist auch sehr motivierend. Es gibt also diese Dualität und ich versuche ständig, neue Methoden zu erlernen, um die Ideen in meinem Kopf zu verwirklichen.“

Ich war dann daran interessiert, etwas über einige dieser Methoden zu erfahren, und wenn es welche gab, bevorzugte sie andere besonders.

„Im Moment mache ich auch ein paar Kerzen. Lebensgroße Kerzen für eines meiner Stücke. Ich habe auch viel mit Leinwänden gearbeitet. Nicht direkt als Maler, sondern eher konzeptionelle Leinwände ... Was mich jedoch wirklich anzieht, ist die Arbeit mit Ton. Es ist so taktil. Und bei vielen meiner Arbeiten geht es um die Verbindung mit der Körperlichkeit. Wo die Grenze zwischen dem „Selbst“ und dem Physischen verläuft – falls es eine gibt. Die Arbeit mit Ton bringt mich in meine eigene Körperlichkeit – das ist erstaunlich … Ich mag auch die Metapher, dass man etwas durch Feuer werfen kann und es dadurch stärker wird. So denke ich über das Leben: Man setzt sich selbst ins Feuer und gewinnt dadurch Kraft und Einsicht. Und es gibt etwas Paralleles in der Arbeit mit Ton.“

Bevor ich mich trennte, wollte ich mehr über dieses umfangreiche, zweijährige Projekt erfahren, das Margaret zuvor angepriesen hatte.

„Es heißt 19 Frauen . Es sind 19 Stücke, die alle konzeptionell sind … Die 19 Frauen sind wie 19 Versionen von mir … In jedem steckt eine Vielzahl von Selbsten. Sie können von Archetypen sprechen oder von Versionen von Ihnen, die entstehen und dann verschwinden, wenn Sie wachsen und sich verändern. Ich kann sie nicht alle kennen, es ist nur die Vorstellung, dass sie alle in meiner Reichweite sind. Und so ist jedes dieser 19 Stücke ein Mittel, um diese Vielfalt des Selbst zu untersuchen.“

Vielen Dank an Margaret. Ihre Links finden Sie unten.

Website Instagram

Text und Fotografie von Ewan Waddell .

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