Von der Bildhauerei mit Ton über die Herstellung lebensgroßer Kerzen bis hin zum Nachzeichnen ihrer eigenen Form auf riesigen Leinwänden sind die Methoden der Künstlerin Margaret Flatley so mäandrierend und überzeugend wie das Gespräch, das ich letzte Woche bei einem grünen Tee mit ihr geführt habe. In ihrem Kreuzberger Studio an einem (wenn ich mich recht erinnere) klassisch regnerischen Berliner Morgen war Margaret so freundlich, mir sowohl ihr Studio als auch ihre Gedanken zu zeigen, während wir über ihre Offenheit für die Erforschung neuer Methoden, ihre Beziehung zur Fotografie und ihre konzeptionelle angeleiteter Praxisansatz.
Wir sprachen zuerst über Margarets Zwang, über ihre Wurzeln hinaus zu forschen.
„Ich bin in Kanada aufgewachsen, bin aber mit 17 weggegangen, um an die Universität zu gehen, und ich bin nicht zurückgezogen. Ich bin die erste Generation, die in Kanada geboren wurde, vielleicht war das der Grund, warum es keine tiefe Verbundenheit mit dem Land gab … Schon seit ich ziemlich jung war, sehnte ich mich nach einer Veränderung der Umgebung.“
Ich war neugierig, wie sie diese Veränderung der Umgebung gesucht hat.
„Ich ging für ein Jahr nach Frankreich… Ich war in Südfrankreich, lernte Französisch und studierte Kunstgeschichte. Von da an fing alles an zu greifen … Ich baute eine sehr starke Verbindung zu jemandem auf, der bis heute ein enger Freund und Mentor ist. Sie war Akademikerin – schrieb zu dieser Zeit bereits an ihrer Doktorarbeit – und sie lud mich in ihre Welt ein. Durch sie war ich von allen möglichen Menschen umgeben, was mir Zugang zu dieser anderen Rahmung dessen verschaffte, wie das Leben sein könnte. Wie ich ein Leben außerhalb dessen führen konnte, was ich war … Nachdem ich zurückgekehrt war und meinen Abschluss in den USA gemacht hatte, zog ich nach New York, um so etwas für mich selbst nachzubauen.“
Ich fragte mich, was sie dort fand.
„In New York habe ich sofort angefangen, in der Modebranche zu arbeiten. Ich begann in einem Showroom zu arbeiten, der schnell in die Arbeit für eine Herrenmodemarke überging. Dies geschah innerhalb der ersten dreieinhalb Jahre. Und dann bin ich nach Stockholm gegangen und habe für Acne gearbeitet.“
Margarets Arbeit ist heute ziemlich weit von der Modewelt entfernt. Mich interessierte, was sie wegführte.
„Ich dachte, Mode wäre eine großartige Möglichkeit, kreativ und berufstätig zu sein. Aber es war nicht das Richtige für mich … Ich war auch eher in der Managementfunktion als im Design tätig, was großartig war, aber ich habe nicht selbst etwas geschaffen.“
Wir sprachen dann über unsere gemeinsame Verbindung, Yasmin, durch die ich Margaret kennengelernt hatte, als ich letzten Sommer ihr gemeinsames Studio für ein Interview über Yasmins faszinierende Arbeit mit Hanfbeton besuchte . Margaret und ich sprachen darüber, wie es war, mit Yasmin zusammenzuarbeiten, nachdem sie sich vor all den Jahren zum ersten Mal in den Acne Studios getroffen hatten.
„Yasmin und ich hatten diese sehr kompetente Arbeitsbeziehung, in der wir die Bedürfnisse des anderen gewissermaßen vorhersagen und ausfüllen konnten, wo wir jeweils Hilfe brauchten. Wir haben Acne im Abstand von nur wenigen Monaten verlassen. Wir wussten damals nicht was , aber wir wollten etwas Eigenes gründen.“
Sie haben vielleicht entschieden, dass die Modewelt in Stockholm nichts für sie ist, aber die fließende künstlerische Beziehung, die sie in Schweden geschmiedet haben, blieb sehr lebendig, als sie später zusammen nach Berlin zogen.
„Wir waren sehr enge Freunde und teilten uns eine Wohnung. Die Essenz ihrer Praxis entwickelte sich in ihrem Zimmer und meine Praxis in meinem Zimmer, und die Küche war dieser Ort des Austauschs. Wir tauschten ständig Referenzen, Lesungen, Recherchen usw. aus – es war einfach ein wirklich kreativer Moment. Unsere Methoden und Praktiken sind so unterschiedlich, und doch umkreisen sie einander. Und so haben wir eben diesen sehr kreativen Bereich. Wir haben so viel Glück.“
Durch ihre Fotografie von Yasmins skulpturalem Werk wurde ich zum ersten Mal auf Margaret als Künstlerin aufmerksam. Ich fragte mich, ob es die Disziplin der Fotografie war, die Margaret selbst auf ihre künstlerischen Neigungen aufmerksam machte.
„Ich habe hauptsächlich mit der Fotografie angefangen. Ich habe viel mit Yasmin gearbeitet, für sie fotografiert und experimentiert. Ich bin erst in meine Kreativität eingestiegen, aber dann wurde [die Fotografie] sehr schnell zu einer Methode für mich, konzeptionell zu arbeiten. Nun, das ist fast ausschließlich das, was ich tue. „
Ich war dann neugierig auf Margarets aktuelle Beziehung zur Fotografie.
„Ich meine, ich mache immer noch manchmal Fotos, aber ich habe die Kamera fast vollständig verlassen, um mich meiner konzeptuellen Arbeit zu widmen … Ich habe heutzutage ein komplizierteres Verhältnis zu Fotos, weil alles in der Welt der Bilder übersättigt ist. Und vielleicht weiß ich noch nicht genau, wie ich in diesem Bereich weitermachen möchte… Ich liebe es immer noch, hinter der Kamera zu stehen und diese Verbindung zu der Person, die du fotografierst. Da gibt es für mich eine Menge Anziehungskraft.“
„Instagram hat definitiv meine Beziehung zu meinen Fotos kompliziert, weil ich in meinen Konzepten viel mit Körpern arbeite – was mit Nacktheit einhergeht – aber Instagram erlaubt keine Nacktheit, und ich habe mich nie wohl dabei gefühlt, meine Bilder zu veröffentlichen, wenn sie deswegen zensiert wurden entsprach nicht dem Bild, das ich schuf … Und so begann ich wohl, nach anderen Wegen zu suchen, wie ich mit denselben Ideen arbeiten könnte.“
Apropos Instagram und die übersättigte Welt der Bilder, ich bemerkte, wie schwer fassbar und mehrdeutig sich Margarets Online-Präsenz anfühlte; grenzt an mysteriös. Ich wollte untersuchen, warum.
„Meine Beziehung zu meiner Online-Präsenz ist turbulent. Mit Branding, mit meiner Beziehung zum Verkaufen oder damit, für das, was ich tue, eine Fassade zu setzen. Es ist kompliziert. Es ist etwas, womit ich in Gedanken spiele. Warum ich online nicht offen sein kann, wenn meine Arbeit doch so offen ist… Aber ich bin auch mitten in diesem großen Projekt, an dem ich zwei Jahre lang gearbeitet habe, und deshalb denke ich, gibt es auch dieses Gefühl von ‚es ist nicht‘ bereit, geteilt zu werden'.“
Wir sprachen dann über diese Idee der Arbeitsteilung und was das für sie bedeutet.
„Die gemeinsame Arbeit kann oft ein sehr erfüllender Moment sein. Immer wenn du es loslässt und es nicht mehr deins ist, bekommst du eine Perspektive von anderen Menschen, die du vorher nicht hattest. Und Sie können vielleicht etwas über das lernen, was Sie getan haben, was Sie selbst nicht einmal gemerkt haben.“
„Wenn du Kunst machst, versuchst du, mit etwas in Kontakt zu kommen, das nicht verbal ist. Wenn ich es sprechen könnte, dann wäre das wahrscheinlich die Methode, die ich anwenden würde. Aber es ist etwas intuitiveres. Und wenn Sie dieses intuitive Ding haben, dann ist die Verbindung etwas, das Sie teilen möchten.“
Gibt es bestimmte Gefühle, die Sie bei den Betrachtern ihrer Arbeit hervorrufen möchten? Ich fragte.
"Nein, definitiv nicht. Mich würde interessieren, wie sich jemand fühlt. Die Idee ist nicht, dass ich eine bestimmte Reaktion hervorrufen kann. Die Vielfalt der Antworten ist das Interessante, denke ich … Was mich immer wirklich gekitzelt hat, war, dass jemand über etwas so Spezifisches in seiner Kunst sprechen konnte und es dennoch von verschiedenen Individuen in ihrer eigenen Welt so allgemein verstanden wurde. Ihre eigenen Reiche. Und so wird dieses Ding größer als die Person, die es herstellt oder erhält. Es wird zu einem Vehikel für den Austausch.“
In dieser Interviewreihe haben wir mit vielen Designern und Künstlern gesprochen, die sich selbst als „materialorientiert“ bezeichnen. Margarets konzeptgeleitete Praxis fühlt sich jedoch fast konträr zu diesem Etikett an. Ich fragte mich, wie diese konzeptionelle Arbeit ihren Prozess beeinflusst.
„Mehr als gegenüber jedem Prozess oder Material bin ich sehr ideenmotiviert. Ich habe kein spezielles Handwerk für meine Arbeit; Ich bin kein Maler, ich bin kein Keramiker. Mein konzeptioneller Teil wäre das Handwerk, denke ich. Es gibt einen gewissen Kampf in dem Sinne, dass Sie sich nie als Experte in irgendetwas fühlen – aber das ist auch wirklich motivierend. Und so gibt es diese Dualität, und ich versuche ständig, neue Methoden zu lernen, um die Ideen in meinem Kopf aufzubauen.“
Ich war dann daran interessiert, etwas über einige dieser Methoden zu erfahren, und wenn es welche gibt, bevorzugt sie sie anderen gegenüber.
„Im Moment mache ich auch ein paar Kerzen. Lebensgroße Kerzen für eines meiner Stücke. Ich habe auch viel mit Leinwänden gearbeitet. Nicht direkt als Maler, sondern eher konzeptionelle Leinwände… Was mich jedoch wirklich anzieht, ist die Arbeit mit Ton. Es ist so taktil. Und ein Großteil meiner Arbeit dreht sich um die Verbindung mit der Körperlichkeit. Wo die Grenze zwischen dem „Selbst“ und dem Physischen verläuft – falls es eine gibt. Die Arbeit mit Ton bringt mich in meine eigene Körperlichkeit – was erstaunlich ist … Ich mag auch die Metapher, dass man etwas durch Feuer stecken kann und es stärker wird. So empfinde ich das Leben - Du steckst dich selbst durch Feuer und so gewinnst du deine Stärke und deine Einsicht. Und es gibt etwas Paralleles in der Arbeit mit Ton.“
Bevor ich mich verabschiede, wollte ich mehr über dieses umfangreiche, zweijährige Projekt erfahren, das Margaret vorhin angepriesen hat.
„Es heißt 19 Frauen . Es sind 19 Stücke, die alle konzeptionell sind… Die 19 Frauen sind wie 19 Versionen von mir… In jedem gibt es eine Vielzahl von Selbst. Du kannst Archetypen sagen, oder du kannst Versionen von dir sagen, die entstehen und dann verblassen, während du wächst und dich veränderst. Ich kann sie nicht alle kennen, es ist nur diese Idee, dass sie alle in meiner Reichweite sind. Und so ist jedes dieser 19 Stücke ein Vehikel, um diese Vielfalt des Selbst zu untersuchen.“
Vielen Dank an Margaret. Unten findet ihr ihre Links.
Worte & Fotografie von Ewan Waddell .
