Kürzlich trafen wir uns mit dem Maler Adam Lupton, einem frischen Import aus NYC in die Berliner Kulturszene. Adams einzigartiger Ansatz ist so etwas wie ein Wechselspiel zwischen Malerei, Druckgrafik und Handwerk – weshalb es besonders herzzerreißend ist, dass Sie seine Werke jetzt durch einen Bildschirm betrachten. Das persönliche Seherlebnis bietet eine entzückende Reise von Texturen, Prozessen und Stilen, die auf derselben Leinwand enthalten sind, der Pixel einfach nicht gerecht werden. Letzten Monat haben wir Adams Atelier in Moabit einen Besuch abgestattet und vom Künstler selbst etwas über die Entwicklung seiner Praxis, die Geschichte seiner Farbpalette und seine introspektiven Themen erfahren.
Adam hat einen besonders ausgeprägten Stil. Ich war zuerst neugierig, woher das kommt.
„Ich kann ein sehr fauler Maler sein. Ich bin immer wieder auf sich wiederholende Teile von Gemälden gestoßen, bei denen ich dachte: „Ich möchte nicht jeden einzelnen Baum malen … Was wäre, wenn ich sie einfach mit einem Kartoffelstempel stempeln würde?“ So wie wir es als Kinder im Kindergarten getan haben. Also habe ich eine Kartoffel gekauft und hineingeschnitzt und diesen Baumstempel gemacht… Ich habe ihn gestempelt und ich mochte die Ästhetik wirklich. Es brachte mich zurück zu meiner MFA, wo ich Monotypiedrucke machte – Sie bemalen eine Platte, legen sie unter die Presse und ziehen sie von der anderen Seite ab. Die Dinge kommen nicht genau so, wie man es sich vorstellt – es ist immer ein Element des Zufalls im Spiel.“
„Dort habe ich zum ersten Mal angefangen, mich mit Druckgrafik und Monotypie zu beschäftigen, und habe das vor etwa zwei Jahren in diese Transferbilder übernommen. Es fängt jetzt an, sich wohl zu fühlen; als hätte ich ein besseres Verständnis für die Anführungszeichen-„Sprache“ dessen, was ich sage oder tue.“
„Ich fing an, mit der Übertragung ganzer Gemälde zu experimentieren, und es entwickelte sich einfach zu dieser Struktur, die ich jetzt habe. Dieser Teil wird auf diese Weise gestempelt und ich kann diese Stempel auf diese Weise verwenden . Es war eine Art, diese Vorstellung von verschiedenen Arten von Farbaufträgen mit Kunsthandwerk und Druckgrafik zu entwickeln.“
Die Farbpalette ist sehr eingeschränkt und spezifisch. Ich wollte wissen, was die Geschichte hier war.
„Vor Jahren sagten mir Leute, meine Farbpalette könne überall sein – wie wirklich leuchtende Farben in einem Gemälde und gedämpfte Farben in anderen Gemälden. Und so sagte ich mir: ‚Okay, lass uns wirklich Grenzen setzen‘. Ich bin auch jemand, der Grenzen sehr mag. Ich liebe monochrome Gemälde und Gemälde mit sehr geringem Wert.“
„Und da war diese rot-blaue Palette, die ich in ein paar Gemälden verwendet hatte und die mir wirklich Spaß gemacht hatte – also fing es einfach damit an, und ich hatte kein Bedürfnis, darüber hinauszugehen. Ich denke, es erlaubt mir, die Grenzen dessen zu erweitern, was diese beiden Farben können, und funktioniert gut mit dem, was ich zu vermitteln versuche.“
Was versuchst du zu vermitteln? Ich fragte mich.
„Die Arbeit befasst sich viel mit meiner Angst und meiner Zwangsstörung. Die Palette begann etwas formeller, aber sie ist irgendwie zu dieser emotionalen Dichotomie von Farben gewachsen; diese warme Kälte, diese Art von Leblosigkeit und die feurige Angst. Es hat sich also irgendwie zu diesen emotionalen Kontrapunkten entwickelt. Nur diese beiden Farben zu haben, erzeugt die Reibung, die ich in meiner Angst spüre und die ich dann versuche, in den Bildern rüberzubringen.“
„Die Briefmarken und Überweisungen sind sehr groß in dieser angsterfüllten, zwanghaften Idee der Wiederholung. Es ist immer und immer wieder dasselbe gedruckt; wie der gleiche Gedanke, der immer und immer wieder auftaucht.“
„Textur und Muster machen ebenfalls einen großen Teil der Arbeit aus. Ich nehme eine Tapete und male darauf und drucke die Tapete darüber. Und die Kleidung [in den Gemälden] wird tatsächlich Teile von Pullovern sein, die ein Muster darauf haben, das ich überdrucken werde. Es geht also darum, diese Materialien der realen Welt zu verwenden und sie in das Gemälde einzubringen, sodass alles zwischen der realen Welt und der Welt der Malerei vermittelt wird – genau wie meine Realität durch die OCD vermittelt wird.“
Ich habe mich gefragt, ob die künstlerische Auseinandersetzung mit seinen psychischen Spannungen hilfreich ist, um sie zu verarbeiten.
„Ich glaube nicht, dass es für mich etwas zu Kathartisches gibt. Vielleicht verschlimmert es die Zwangsstörung, wer weiß? Ich meine, ich fühle mich nicht unbedingt erleichtert von dem, worüber diese Bilder sprechen, aber das Gegenteil ist auch wahr – wenn ich nicht male, fühle ich mich ängstlicher.“
Eine Konsistenz in Adams Arbeit scheint eine einsame Figur in seinen Kompositionen zu sein. Ich war neugierig, wie er diese Figur identifizieren würde.
„Versionen meiner selbst. Ein Großteil der Arbeit ist eindeutig persönlich und kommt von meiner Zwangsstörung oder dem, was in meinem Leben oder meinen Erinnerungen passiert, also gibt es keine Möglichkeit, dem zu entkommen. Aber sie sind nicht ich. Sie sind Teile von mir, denke ich. Gerade weit genug, wo ich nicht denke ‚Oh, das bin genau ich‘, aber nicht so weit weg, dass ich denke ‚Oh, das ist eine ganz andere Person‘.“
Ich fragte, ob die Szenen eingebildete Momente oder echte, erinnerte Momente seien.
„Sie sind beides. Es gibt ein Zitat von George Toocker… 'Ich bin nach dem Malen der Realität so hart in den Geist eingeprägt, dass sie als Traum zurückkehrt, aber ich bin nicht danach, Träume als solche oder Fantasien zu malen'. Also ja, es sind alles echte Momente, aber sie sind alle mentale Fluchten. So ähnlich wie dein Verstand ein Szenario nehmen und einfach damit davonlaufen kann. Es ist ein reales Szenario, aber es ist auch nicht real.“
Adam reflektierte dann die Entwicklung seiner Praxis und wohin er jetzt geht.
„Rückblickend macht alles Sinn. Ich kann sehen, wie alles dahin geführt hat, wo ich jetzt bin. Diese Serie ist viel ruhiger und poetischer. Damals konnte ich nicht wissen, dass ich das in ein paar Jahren tun würde, also habe ich keine Ahnung, wohin es führen wird, aber sobald ich dort bin, bin ich sicher, dass ich so sein werde ' Oh ja, das war offensichtlich. Ich werde hoffentlich expandieren und wachsen, und ich möchte mehr experimentieren und Ideen finden, was getan werden könnte, ich weiß nur noch nicht, wie ich es dorthin schaffen soll. Aber im Moment bin ich wirklich glücklich damit.“
Vielen Dank an Adam. Seine Links findet ihr unten.
Instagram – Galerie Russi Klenner
Worte von Ewan Waddell .
Fotografie durch Ewan Waddell .
