Vor ein paar Wochen haben wir die in Japan geborene und in Berlin lebende Installationskünstlerin Asako Shiroki besucht . Es war ein trauriger und regnerischer Nachmittag in Berlin, aber ein warmes und schönes Gespräch im Schutz von Asakos Schöneberger Studio – was mir, wie ein lustiger Zufall so will, kein Unbekannter war, da ich es vor anderthalb Jahren besucht hatte, um Asako zu interviewen Ehemann Sanghyeok über seine konzeptionell geprägten Möbelstücke. An diesem Tag ging es jedoch um Asako, und es war eine Freude, die Geschichte ihrer Praxis zu hören. Von Schmuck bis hin zu Installationskunst, der Einführung traditioneller japanischer Holztischlerei nach Berlin und dem Prozess der Schaffung „schöner Missverständnisse“.
Ich war zunächst daran interessiert, die Ursprünge von Asakos Praxis zu erfahren.
„Ich komme ursprünglich aus Tokio, Japan. Ich habe an der Tokyo National University of the Arts studiert, bis zum Doktorstudium, und nach meinem Abschluss arbeitete ich [an der Universität] als Assistent und dann als Dozent. Insgesamt war ich 14 Jahre lang an der Universität – vom Studenten zum Dozenten … Ich wollte einen Grund finden, mit der Arbeit dort aufzuhören, denn mein Traum war es nicht, Dozent zu werden.“
„Dann bekam ich glücklicherweise eine Einladung vom Bethanien Künstlerhaus , das so etwas wie ein bahnbrechendes Künstlerresidenzprogramm ist. Deshalb bin ich nach Deutschland gekommen … Das Programm dauerte nur ein Jahr, aber ich wollte nach der Einzelausstellung eine gewisse Reaktion auf meine Kunst bekommen, also beschloss ich, länger hier zu bleiben.“
Im Raster – Bodenfenster. 2014. Holz, Textil. B351 × T234 x H94 cm. Foto von Rebecca Wilton.
Das war vor zehn Jahren und jetzt sind wir hier. Ich war neugierig, wie sich Asakos Praxis in diesen Jahren entwickelt hat.
„Als Student habe ich Schmuck hergestellt. Aber dann zweifelte ich daran, warum ich das Objekt an einem Körper anbringen musste. Ich dachte also außerhalb des Objekts und mein Interesse wurde immer größer und ich dachte mehr über den Raum nach. Ich wollte darüber nachdenken, wie der Weltraum existiert – also habe ich meine Klasse gewechselt. Aber nicht zum Architektur- oder Bildhauerstudium, sondern zum Holzbearbeitungsstudium. Es war etwas ganz Besonderes. Ich habe traditionelle japanische Holztischlereitechniken erlernt.“
„Ich habe angefangen, mit Holz zu arbeiten, war aber nicht daran interessiert, Möbel herzustellen, die eine Funktion haben – ich dachte an Skulpturen oder etwas anderes als Funktionalität. Meine Klassenkameraden stellten alle Möbel her. Ich habe ausschließlich Skulpturen mit speziellen Holztischlereitechniken hergestellt . Ich benutze es immer noch, aber ich habe viel mehr Philosophien daraus gewonnen als Techniken.“
Von Schmuck über Holzbearbeitung bis hin zu Installationsarbeiten. Ich fragte mich, wie Asako ihre Kunstwerke jetzt identifizieren würde.
„Ich möchte meine Arbeit nicht kategorisieren müssen, sie liegt also immer zwischen Architektur, Skulptur, auch Handwerk und Kunst und vielen Kontexten … Ich wollte Installationen machen, weil ich frei sein wollte von den Ausstellungskästen, in denen die Kunstwerke gezeigt werden … Putting.“ in die Ausstellungskästen legen und sie beleuchten, und plötzlich fungiert das Kunstwerk als „Kunstwerk“. Ich habe dabei viele Momente der Frische im Kunstwerk gesehen, deshalb wollte ich mein Kunstwerk direkt so zeigen, wie ich es im Prozess gesehen habe.“
Dein Fenster ist mein Spiegel. 2019. Holz, Spiegel, Textil, Messing. B540 × T40 x H160 cm. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.
Ich fragte mich, wie Berlin ihre Praxis beeinflusst hat.
„Nachdem ich nach Berlin kam, begann ich, Möbelfragmente zu zitieren. Immer fehlt etwas oder etwas ist verloren. Wenn das Publikum meine Kunstwerke sieht, wirken sie wie Möbel – aber es ist etwas anderes; wie ein Missverständnis. Ein schönes Missverständnis… Jedes Werk wurde von mir selbst angefertigt. Ich verwende nie fertige Möbel, weil ich von Anfang an, wenn ich das Material habe, verschiedene Richtungen der Funktionalität wählen möchte.“
„Die physikalischen Prozesse und das Verhältnis von Maschinenarbeit zu Handarbeit unterscheiden sich zwischen der in Europa erlernten Holzbearbeitung und der in Japan erlernten Holzbearbeitung.“ Wenn ich Maschinen verwende, kann ich größere Werke anfertigen. Die Handwerkzeuge sind wie ein Teil meines Körpers, und wenn ich Handwerkzeuge verwende, kann ich die Arbeit mit meinen Augen sehen – und ich wollte Abstand zum Material und zu mir selbst schaffen. Die Maschine schafft also die Distanz und ich kann die Dinge aus der Vogelperspektive sehen. Durch diesen Prozess kann ich viel lernen.“
Welche anderen neuen Prozesse haben Sie erforscht? Ich fragte.
„Also nahm ich letzten Sommer an einem Residenzaufenthalt in Dänemark teil. Ich habe eine Arbeit ohne Holzarbeiten gemacht. Ich habe eine neue Arbeit mit Zeichnungen und Videoarbeiten und auch etwas Text ausprobiert … Ich habe versucht, die Menschen zu verstehen, die in dieser Gegend lebten. Menschen, die in nordischen Gebieten leben, möchten die Sonne genießen, weil die Sommerzeit so kurz ist und die Winterzeit lang und dunkel ist. Also habe ich versucht, das Hochsommer-Tageslicht zu nutzen.“
„Über meinem Kopf befand sich ein quadratisches Fenster, und auf meinen Schreibtisch fällt jeden Tag Sonnenlicht. Deshalb habe ich die Regel aufgestellt, dass ich den Bleistift zeichne, wenn das Sonnenlicht auf den Schreibtisch fällt, und wenn die Wolken aufziehen, den Bleistift anspitze. Es ist also ein ziemlich langes Video. Ich habe versucht, ein sehr leichtes Gefühl zu vermitteln. Die Aktion der Zeichnung im Video ist das Hauptkunstwerk, und daneben mache ich vielleicht einen Rahmen dafür [zeige auf Schattenumrissskizzen, die an der Wand befestigt sind].“
„Ich habe Einheimische zu vielen Dingen interviewt. Die Leute erklärten mir, dass die blaue Farbe für sie wichtig sei. Ich fragte sie nach dem Grund, aber niemand wusste es … Ich ging in die Bibliothek und fand die Geschichte des Färbens in dieser Gegend. Das Blau, auf das sie sich beziehen, ist Indigoblau, eine wichtige Farbe, die Menschen zum Färben von Textilien zu Hause verwenden können.
„Sie erklärten, dass Indigo, das aus der Erde kommt, in Kombination mit Kalk aus den Muscheln vor ihnen Blau auf dem Stoff fixieren könnte. Aus dieser Erklärung wurde ein wunderschönes Gedicht, das ein größeres Konzept zum Ausdruck brachte. Wenn sich Meer und Erde vereinen, wird es gleich.“
Dann begann Asako, mir die Gefühle hinter ihren neueren Werken zu erzählen.
„Nach meiner Schwangerschaft, nach der Pandemie, wollte ich meine Mutterschaft zeigen. Ich wollte das Innere von mir nach außen zeigen … Es ist zu viel persönliche Arbeit für mich, aber ich dachte, ich sollte es schaffen.“
Ein Zweig miteinander verwobener Passagen. 2021. Holz, Glas, Silberkette, Messing, Leder, Bronzeguss eines Zweiges, der vor mir fiel. B470 × T/H variabel cm. Foto von Sanghyeok Lee.
Ich fragte mich, warum sie das Gefühl hatte, es sei „zu viel“ persönliche Arbeit für sie.
„Vor [der Pandemie] habe ich versucht, meine Kunstwerke kalt zu machen – ohne Temperatur. Nach der Pandemie habe ich versucht, mehr Kunstwerke zu schaffen, die meine persönlichen Dinge zeigen. Ich dachte, ich sollte mich zeigen, ohne mich zu verstecken ... Als ich früher Kunstwerke gemacht habe, habe ich versucht, stärker zu sein. Nach der Pandemie, nach der Schwangerschaft habe ich alles mehr so akzeptiert, wie ich bin. Als Frau, als Mutter, als Mensch. [Jetzt] ist es freier geworden; Ich kann wie ich selbst arbeiten, ohne jede Lüge.“
Vielen Dank an Asako.
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Worte von Ewan Waddell .
Fotos von Ewan Waddell und mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.
