Manchmal habe ich das Gefühl, dass wir für diese Interviews unser großes Netzwerk an Berliner Künstlern erschöpft haben müssen. Aber manchmal stolpere ich zufällig über jemanden, der völlig neu ist und in dessen Arbeit ich mich sofort verliebe. Vero Janovec ist einer dieser Menschen. Ich habe Veros Arbeiten auf Instagram gefunden und war sofort von den ursprünglichen Qualitäten ihrer abstrakten Skulpturen fasziniert. Ich wollte mehr über ihre Praxis erfahren. Und so hatte ich vor ein paar Wochen das Glück, Vero bei ihr zu Hause zu einer Tasse Kaffee und einem angenehmen Gespräch über ihre Einflüsse, ihre Gedanken über die Bedeutung ihrer Arbeit und die Beziehung ihrer Skulpturen zur Natur zu treffen.
Ich habe erfahren, dass Vero aus der Slowakei stammt. Ich fragte mich, wie es dort war, wo sie aufgewachsen war.
„Ich komme aus einem kleinen Dorf. Viele Hügel und Felder. Eine bescheidene Landschaft. Ich denke gerne, dass ich ein Stadtmensch bin, weil ich Schnelligkeit mag. Ich mag Reize. Aber je älter ich werde, desto mehr wird mir klar, wie schön es ist, ruhig und allein zu sein. Wann darfst du jemals allein sein? Das hatte ich bei meinem letzten Besuch, dieses Weihnachten. Gute zwei Stunden allein, irgendwo mitten auf einem Feld, beim Laufen. Es war ziemlich regenerierend, Abstand zu allem zu gewinnen und sich gleichzeitig mit allem um einen herum zu verbinden. Nach Hause zu gehen bietet das.“
Während ich umgeben von Veros Stücken an Wänden und Oberflächen saß, erzählte sie mir von den Grundlagen ihrer Praxis.
„Ich schätze, ich bin ein abstrakter Künstler. Ich arbeite mit Form, Farbe und Textur. Ich neige zu Arbeiten, die assoziativ oder, sagen wir, unvollständig sind, im Gegensatz zu wörtlicher Arbeit. Ich möchte nicht vorschreiben, was es ist. Ich bin auch kein Konzeptkünstler – ich bekomme Ideen, indem ich Arbeiten mache und sie weiterverfolge. Ich mache viele Dinge intuitiv und die Arbeit selbst erzeugt den Denkprozess. Ich kann Gründe haben, warum ich etwas tue, aber meist sind es ästhetische Entscheidungen.“
Anschließend beschrieb sie eine ihrer jüngsten Arbeiten: Three Body Problem.
„Der Name/das Konzept kam erst, nachdem ich das Stück glasiert hatte, und die Glasur veränderte den Charakter des Stücks völlig. Der Titel ist eine Anspielung auf den gleichnamigen Roman und eine Beschreibung eines Problems der Physik. Die Recherche dazu inspirierte mich dazu, einen Text zu schreiben, und aus dem Text entstand die Idee für eine ganze Serie.“
„ Das Drei-Körper-Problem beschreibt eine komplexe, chaotische Situation, in der drei Körper aufgrund ihrer gegenseitigen Anziehungskraft die Flugbahn des anderen beeinflussen. Für mich beschreibt es irgendwie das Leben selbst so gut. Wie wir auf Menschen und Situationen stoßen und wie jeder sich gegenseitig beeinflusst – und es zu Kollisionen kommt, die chaotisch, aber auch interessant und schön sind. Auf der Suche nach Möglichkeiten, die Stücke zu vergrößern, entwickelt sich die Serie stilistisch weiter. Worauf ich hinaus will, ist, dass es der Prozess war, der zu dem Gedanken führte, und dass der Gedanke zu einem weiteren Prozess führte. Immer wieder ein geschlossener Kreis.“
Ich erfuhr bald, dass Veros Identität als Bildhauerin eine neuere Entwicklung ist – ihre formale Ausbildung erfolgte in der Welt der Architektur.
„Das Architekturstudium hat mir viel Spaß gemacht. Aber ich hatte auch große Probleme damit. Es war inspirierend und schwierig, augenöffnend und umwerfend, all die Gespräche darüber, was Architektur sein kann und was sie hervorbringen kann. Es hat mir Fähigkeiten beigebracht, die ich heute in der Bildhauerei mit Sicherheit anwende – Sinn für Proportionen, dreidimensionales Arbeiten, das Verständnis für die Technik, die das Ergebnis bestimmt, und auch das Fotografieren. Das Studium der Architektur führte definitiv zur Bildhauerei. Die Architektur brachte mich auch zu einem Praktikum im Tezontle-Studio in Mexiko-Stadt. Sie produzieren die wundervollste Arbeit und Mexiko-Stadt selbst war eine unglaubliche Erfahrung. Es hat mich sehr beeinflusst. Als ich nach Berlin zurückkam, wurde mir die Verbindung zwischen Architektur und Skulptur so deutlich, dass ich nicht aufhören konnte, darüber nachzudenken.“
Als ich die Leidenschaft sah, mit der sie über ihr Architekturstudium sprach, interessierte ich mich dafür, was Vero dazu veranlasste, von diesem scheinbar inspirierten Weg abzuweichen.
„Ich liebe es, an den Weltraum zu denken; Die Beziehung zwischen Land und Raum, bei der man sich Architektur fast wie eine Skulptur vorstellen kann, als einen Akt der Schaffung von Schönheit – fast wie eine abstrakte Raumkomposition – das hat mir schon immer Spaß gemacht. Und ich mache es immer noch. Ich arbeite als Architekt, aber in letzter Zeit tendiere ich mehr zur Innenarchitektur. Ich liebe Objekte und das Ordnen von Dingen. Zu Kunst und Bildhauerei bin ich nicht abgewichen, weil ich die Leidenschaft für Architektur verloren habe. Architektur ist so wichtig. Aufgrund der Art der Arbeit und des Lebensstils, den sie unweigerlich mit sich bringt, bin ich davon abgewichen. Ich hoffe, es klingt nicht banal, aber ich muss mich bewegen, wenn ich arbeite. Mit meinen Händen zu arbeiten, Werkzeuge zu benutzen, zu stehen, vor und zurück zu gehen, während ich etwas mache, es erfüllt mich auf eine Weise, die ich nicht mehr tun kann.“
Ich war neugierig, wie Vero die visuellen Qualitäten ihrer Arbeit erkundet.
„In letzter Zeit arbeite ich viel mit Formen, die suggestiv sind/an die Natur erinnern. Ich mag eine Ästhetik, die diese lebensbildenden Kräfte wie Erosion, Sedimentation, Schichtung und Wachstum suggeriert. Dadurch war die Qualität der Kante bei manchen meiner Arbeiten ziemlich rau und ungenau. Es gibt auch viel ausgeprägte Vertikalität, Grate und herausgearbeitete Hohlräume. Ich sehe darin eine gewisse ursprüngliche Eleganz und Poesie, aber das bin ich. Ich genieße auch Wiederholungen, arbeite mit einer kleineren Einheit und arrangiere sie. So gibt es auch in meiner Arbeit Anspielungen auf Blumen, Knospen, Blütenblätter, hervorstehende gebogene Spitzen.“
Ich wollte erfahren, wie Vero ihre eigene Arbeit versteht und mit ihr umgeht und welche Reise sie unternommen hat, um diese Beziehung zu finden.
„Ich glaube, ich war vorher nicht sehr gefasst. Ich möchte nicht sagen, dass es verwirrt war – aber es war einfach eine unglaubliche Zeit, in der ich mich selbst gefunden und experimentiert habe. Aber wenn man merkt, wohin die Reise geht, ist das so befriedigend ... Als ich zum Beispiel in meine eigene Wohnung zog, sah ich endlich, wohin [die Skulpturen] gehören. Ich denke, das hängt mit meinem Hintergrund in Architektur und Innenarchitektur zusammen. Ich sehe sie in einem häuslichen Raum. Wenn ich meine Arbeit mache, stelle ich mir nicht vor, dass sie in einer Galerie hängt, sondern in einem Zimmer.“
„Ich möchte sagen, dass es die Objekte sind, die den Raum ausmachen, und dass ihre Aggregation und Anordnung die Atmosphäre schafft. Als Architekt und Bildhauer ist es eine so schöne Begegnung dieser beiden Bereiche und so habe ich auch mit dem Eklektizismus meiner Arbeit Frieden gefunden.“
Denken Sie, dass die Dinge, die wir schön finden, erlernt sind? Oder glauben Sie, dass diese Dinge nur in uns stecken?
„Ich denke, es ist gelernt … Die Art und Weise, wie ich meine Skulpturen beurteile oder betrachte, ist definitiv durch mein Architekturstudium und vor allem durch die Bücher und Referenzen, die ich mir ansehe, entstanden. Ich denke, es ist erlernt – aber wenn man es erkennt, verrät es einem etwas über sich selbst, es lehrt einen etwas über seinen Geist. Weil man bestimmte Verbindungen zu seiner Vergangenheit herstellt, wenn man etwas Verführerisches, Schönes oder Erhabenes findet.“
Vielen Dank an Vero. Ihre Links finden Sie unten.
Worte von Ewan Waddell .
Fotografie von Karim Marold und Ewan Waddell .
